Tokyo Blues

"Mapa de los sonidos de Tokio"

de Isabel Croixet

con Sergi Lopez y Rinko Kikuchi

Ryu (Rinko Kikuchi, de "Babel") tiene una doble vida: trabaja en una fábrica de pescado y esporádicamente tiene encargos como asesina a sueldo. Su próximo trabajo será asesinar a David (Sergi Lopez, de "El cielo abierto" "El laberinto del Fauno" y la próxima a estrenarse "Ricky" de François Ozon).

Contratada por un poderoso empresario que pretende vengar el suicidio de su hija, sentimentalmente involucrada con David, y contra todos los pronósticos, Ryu se sentirá sexualmente atraída por David y esta historia pasional se contrapondrá con su objetivo de asesinarlo.

Isabel Croixet, lejos del registro dramático de su debut como directora en "Mi vida sin mi" o de su segunda película "La vida secreta de las palabras", intenta sumergirse en otro estilo narrativo completamente diferente: una historia de amor fou con un intenso componente de erotismo y perversión que se entremezcla con una estructura más clásica de thriller con tintes trágicos.

Y en este intento, el film de Croixet tiene casi en las mismas proporciones aciertos y tropiezos.

Como aciertos pueden apuntarse el enigmático marco que da a la historia, el hecho de que esté filmada en la ciudad de Tokyo. A nivel guión,  es bunea la idea de la narración de toda la historia desde la mirada de un tercero -un anciano ingeniero de sonido que entrabla amistad con Ryu-, testigo de los hechos y el interés que despierta una historia de pasión "prohibida".

Pero el problema fundamental que no logra revertir es la falta de química entre la pareja protagónica ue sólo logra en algunos momentos transmitir  la fuerza arrolladora de la pasión que sienten-. Sobre todo Rinko Kikuchi, no logra en absoluto potenciar el erotismo de su personaje, fuerza que por ejemplo tienen los personajes de Won Kar-Wai (como en "Con Animo de Amar" o "2046"), por nombrar algún exponente del cine oriental al que tangencialmente Croixet intenta referenciar.

No logra explotar tampoco, la fascinación que produce Tokio como ciudad exótica, limitándola al marco geográfico de referencia de esta historia, pero sin aprovecharla en su totalidad.

Sergi Lopez logra un trabajo correcto, siempre con la dificultad de manejar un idioma que le quita plasticidad -en un diálogo del film se burla de si mismo diciendo que los españoles no son buenos para los idiomas- y ese miscast de Kikuchi hace que se pierda gran parte de la credibilidad de la historia.

Sin embargo, "Mapa de los sonidos de Tokio" no deja de ser una película interesante, mostrando otra faceta para la filmografía de Croixet y porque aún con sus altibajos, logra puntos de interés.

El buen cine español faltó a la cita

"8 citas"
Opera prima de Peris Romano y Rodrigo Sorogoyen
con Adriana Ozores, Migel Angel Solá, Belén Rueda, Jordi Vilches y Fernando Tejero

Más que un largometraje, "8 Citas" es la reunión de 8 cortometrajes de 10 minutos aproximadamente cada uno, en torno a distintos momentos del amor y de las parejas. Encuentros y desencuentros.

Y como en toda película de episodios, siempre hay algunos que se destacan por sobre los otros.
Sin embargo, el principal problema que aparece en "8 Citas" es que casi ningún episodio gana en interés por sobre los demás, ya que ninguno logra despegar de una mediocridad general que sobrevuela el guión, con situaciones que, en ragos generales, no logran captar un interés narrativo.

Si hubiese que elegir uno de ellos, el más interesante es uno sobre los celos, bajo el título "Recuerda. Siempre hubo alguien antes que tú: su ex".
El reencuentro del capítulo final de una pareja que no se ve hace más de 20 años, "Bien está lo que bien acaba" gana por sobre el resto, sobre todo por la actuación de Belen Rueda ("Mar Adentro" "El orfanato"). Aunque este reencuentro se produce en el marco de un funeral, dónde se convoca a casi todos los personajes de las otras historias, forzando un cruce que no tiene ningún sentido argumental y queda como un "implante" para justificar, muy sobre el final de la película, algún punto en común entre ellas.

El resto de las historias tienen que lidiar con situaciones totalmente olvidables, e incluso en algunas de ellas los directores intentan forzar algún rasgo de comicidad que desentona con el resto, y es justamente donde tiene el mayor desnivel.

Hay buenos actores (Adriana Ozores, Miguel Angel Solá, y Raúl Arévalo que también aparece en el capìtulo final) pero con textos sumamente débiles generando un pasatiempo demasiado inconsistente, sobre un tema del que se ha hablado, filmado y contado ya muchísimo, con mucha más creatividad o profufdidad de las que pudieron desplegarse en estas "8 citas".

Cuanta' mina que tuve... cuanta' mina que tuve...

"La historia completa de mis fracasos sexuales"
un film de Chris Waitt

La idea, es a priori, orginal, o al menos la manera en que el director Chris Waitt la encara. Tras ser dejado una vez más por su última novia, intenta de alguna manera reconstituir las razones por las que ha sido ininterrumpidamente abandonado por sus novias. Surge entonces la idea de hacer un listado e irlas contactando para establecer una entrevista con ellas, en donde él intentará lidiar con sus zonas más fallidas.

Y esa búsqueda de sus ex-novias da lugar a situaciones divertidas y otras narradas con un tono más serio sin dejar de lado el humor que atraviesa toda la película.

En un reportaje que le hicieron al director con motivo del estreno de la película, C. Waitt comenta: "Posiblemente era demasiado optimista a la hora de pensar lo contentas que iban a estar mis ex-novías de volver a verme. El proceso fue tremendamente doloroso y humillante para casi todos los implicados. Además, temas que yo no me había propuesto tratar en la película, comenzaron a aparecer. Espero que mi humillación y miseria sean una fuente de entretenimiento y placer para todos aquellos que vean la película”

Y en estas lineas, resume perfectamente el sentido de la pelicula. Un personaje que se construye asimismo desde una imagen de perdedor tan emparentada con las clásicas confesiones de Woody Allen a cámara en la mayorá de sus peliculas, con algunos trazos de los personajes de Wes Anderson (sobre todo el protagonista de "Tres son Multitud-Rushmore") y con mucho de "Alta Fidelidad". Waitt va escribiendo una especie de manual de autoayuda para reconstruir sus relaciones afectivas apelando a diversos registros desde el humor más sutil e irónico hasta el de trazo más grueso, humor absurdo y algunas escenas que bordean lo escatológico. Pero una vez internados en el universo "looser" de Waitt, todas ellas tienen sentido y hacen al curso de la trama.

En donde más logra crecer, es cuando se despega un poco de la comedia y puede ejercitar algunos tramos más intimistas, con un tono confesional sin perder la frescura y el desparpajo con el que logra tocar muchos temas: la pareja, la soledad, el fracaso, el sexo y tantos otros tópicos vinculados con las relaciones afectivas.

Todo el tiempo está presente en su relato, la necesidad incesante en la búsqueda del amor, el reencuentro con aquellas parejas que significaron algo en cada (su) historia. Y en  esos momentos más serios, en donde el director  se juega a desnudar su interior, vemos la mutación donde se despide del adolescente y le da la bienvenida al jóven que Waitt ya es. O quiere ser.

Cantando l@s ochenta....

"Young @ Heart"
documental dirigido por Stephen Walker

El público aplaude de pie, grita, pide bis, el teatro se viene abajo en un aplauso cerrado.
Uno se pregunta: vinieron Los Rollings? Están ovacionando al último cantante latino de moda? Están tocando los Sex Pistols?  Hay rock en el aire.... pero no es justamente una banda de rock la que sacude las butacas.

El que invade el ambiente, el que arrasa la energía de un teatro con localidades completamente agotadas y un público que no para de brindarles un aplauso agradecido, es un coro de 24 deliciosos "miembros de la tercera edad", de entre 73 y 96 años.

Aman la música clásica como admiten en sus entrevistas personales, pero el director del coro, Bob Cilman, apuesta a más, los lleva al límite, los incita a apasionarse y les hace hervir la sangre rockera con versiones de Talking Heads, Coldplay, Radiohead hasta lograr un trabajo insólitamente delicioso.

La cámara de Walker los sigue durante las siete semanas previas a una serie de recitales. Intercala a esos ensayos, entrevistas a los miembros del coro, a la familia de algunos de ellos,  compartiendo sus vivencias personales, ensayos de canciones que han convertido en hits  junto con otras totalemente nuevas para el grupo, que el director les irá sugiriendo. La resistencia inicial, la entrega que brota de cada uno de ellos, la importancia que tiene cada ensayo y el coro mismo en sus vidas, la rigurosidad de su trabajo, el estímulo preciso que les imprime el director en forma personalizada.. todo esto hace que la duración de este brillante documental parezca efímera, brevísima y uno se quede con ganas de más y más.

Las interpretaciones de "Fix You" de Coldplay, "Forever Young" de Dylan en un concierto que brindan en una cárcel ante la conmovedora mirada de los convictos -preparen los pañuelos!-, "Yes we can" cantada con una fuerza arrolladora y también el buen humor y ritmo de "I feel good", hacen de esta lección de vida uno de los documentales más entrañables e imprescindibles de ver.
Completan esta exquisita experiencia video clips filmados por el grupo y fragmentos de conciertos en vivo.

Absolutamente imperdible, una experiencia conmovedora que nos ilumina por dentro. Nos modifica. Gracias Totales !!

Lo que Nora se llevó

"Cinco dias sin Nora"
guión y dirección: Mariana Chenillo
con Fernando Luján, Ari Brickman, Angélica Pelaez y Verónica Langer

Hay películas que enamoran a uno desde los primeros minutos.
Y "Cinco días sin Nora" es evidentemente una de ella.

Una vez vista, me explico perfectamente porque en el Festival de Mar del Plata no solamente se llevó el Premio más importante, sino también porqué fue la única película que agotaba las entradas muchas horas antes de que comenzara la función.
Esta película mejicana, enamora al público, a la crítica y al Jurado de los Festivales por igual, porque trata sencillamente de temas universales, sin grandilocuencias ni recursos impostados. Va directo al corazón.

La historia, es simple: Nora, después de 14 intentos de suicidio, logra su cometido dejando además un minucioso plan para que José, su ex-esposo, siga con rigor su velorio. No es un detalle menor el hecho de que Nora es judía y logra suicidarse en plena festividad de Pesaj, razón por la cual no solamente habrá que esperar que venga su hijo para enterrarla sino que habrá que dejar pasar las festividades. Y por el rito judío será muy dificil cumplirlo, cuando todos se enteren de que no ha sido muerte natural...
Como adicional, una foto olvidada debajo de la cama hará descubrir a su ex-marido un secreto que mueve sentimientos aún después de tantos años de separación.

Lo que cautiva es la sencillez con la que está contada la historia. La facilidad con la que logra incorporar temas como la religión, el amor, la familia, los vínculos entre padres e hijos, la muerte y tantos otros, es el valor agregado de este guión delicioso que construye la directora Mariana Chenillo, el que está permanentemente atravesado por una alta dosis de humor negro que logra los momentos de comedia más notables.

Y todo se potencia por un brillante tour-de-force actoral de Fernando Luján -José, el protagonista de la historia-. Un  personaje totalmente cínico, cascarrabias, lo que hoy se diría "un políticamente incorrecto" a todo nivel (come pizza en pleno Pesaj y se la convida al rabino, para sacarse al cadáver de su mujer de encima no escatimará ningún tipo de esfuerzos y sostiene desde su más fina ironía que "Pero por favor, Dios no existe!" en su charla con el ayudante del rabino). Pero Luján le saca el mayor de los provechos logra momentos sutiles, emotivos, nos transmite una diversidad de matices tan sólo a veces con su mirada.

Sobre todo en la segunda mitad, cuando la película logra anclar y profundizar en esa historia de amor y desamor que unió con tanta fuerza a estos dos seres que aún separados no han logrado olvidarse nunca, la historia gana en fuerza y en interés, demostrando que Chenillo pudo abordar esta pequeña gran historia no solamente desde un costado de comedia sino dejarnos fluir en una historia sencilla y profunda, inmensamente entrañable.
De esas películas que siguen latiendo en uno, mucho, pero mucho tiempo más después de terminada la historia. De lo mejor del año, sin lugar a dudas.

Lo primero es la familia

"Tres días con la familia" ("Tres díes amb la familia")
con Eduard Fernández, Nausicaa Bonnín, Philippine Leroy-Beaulieu, Francesc Orella y Ramón Fontserè

Léa, radicada en Francia desde hace un tiempo, debe viajar súbitamente a Girona donde su abuelo paterno acaba de fallecer.

Estos tres días son los que la reunirán nuevamente con su familia, para el velatorio y entierro del patriarca. Ella tendrá que volver a verse con su madre -a quien detesta-, ahora separada desde hace un tiempo de su padre, como "de incógnito", una de las cosas que saldrán a la luz en estos encuentros familiares.

También estarán sus primos, sus tíos y sobre todo su tía, una escritora que parece no interesarle demasiado el vínculo familiar, excepto para plasmarlos en sus novelas. Es justamente, el ámbito propicio para que se renueven viejas cuentas pendientes entre la familia y se potencien aspectos de la personalidad de cada uno de los personajes.

"Tres días con la familia" ganó tres premios importantes en el Festival de Málaga: a la Mejor Dirección (Mar Coll), Mejor Actriz (Nausicaa Bonnín) y Mejor Actor (Eduard Fernández) como los padres de Lèa. Tiene realmente puntos interesantes en el guión ya que presenta algunas situaciones familiares ya conocidas, de una manera diferente, con menos palabras y más gestos, con más detalles en las imágenes. Acierta en la duración breve y en no estirar diálogos más allá de lo necesario. Quizás, lo que pueda reprocharse, es el estilo un poco alejado de pasión con lo que se presentan algunas escenas, aunque aparentemente es un tono especialmente elegido para poder transmitir esa especie de anestesia que tiene la protagonista con respecto a las relaciones familiares.

Y este regreso pasajero a casa, para la protagonista, tendrá más de una lectura: no solamente ve en crisis su universo familiar sino que además pone en crisis su situación de pareja y el hecho de regresar a su país definitivamente.

Un interesante ejercicio como ópera prima, con actuaciones sólidas y una historia bien contada.

El gigante de ojos azules

"GIGANTE"
un film de Adrián Biniez
con Horacio Camandule y Leonor Svarcas


Jara, un guardia de seguridad del turno noche en un hipermercado, se enamora de una de las chicas que realizan la limpieza del lugar. Todo comienza como un juego voyeur mientras, cumpliendo con su trabajo, él controla que ninguna de ellas robe nada, que nada salga de lo predeterminado. Casi sin quererlo, se cruza en su cámara de vigilancia, Julia, y ya no habrá forma de que Jara la olvide, pero tampoco se animará a abordarla...

No le es suficiente seguirla con la cámara de seguridad. Quiere saber qué es de su vida. Y entonces comienza a inmiscuirse imperceptiblemente en su rutina diaria, en su cotidiano. Jara inicia un proceso de rituales alrededor de ella, de pequeñas "persecusiones", alentado por el deseo de conocerla, de cruzarse con ella. En definitiva: de que ella lo vea.

Película Uruguaya ganadora en Berlín, "Gigante" logra transmitir una historia pequeña pero potente.
Y el espectador no puede más que caer rendido ante la seducción de acompañar a Jara en este recorrido romántico. Porque ese Jara es a la vez grandulón, tímido, vigilante y patovica, tan contrapuesto con su candidez y con la fragilidad de su mundo.
Los pocos diálogos que tiene la película son sumamente tiernos, queribles, nos acercan a la manera de expresanos en nuestro cotidiano. Pero gana ampliamente en la fuerza de las imágenes, mientras participamos de los movimientos de los protagonistas, cuando el director nos abra de lleno la puerta para introducirnos en sus mundos, en sus vidas, en sus detalles.

Horacio Camandule es el Jara ideal, protagonista indiscutible, inmejorable. Un "gigante" todo corazón que cae rendido ante Julia y todo su "derrotero" hasta llegar a ella cerrará en un último plano en la playa lleno de sencillez, de poesía y de magia cinematográfica.

Una historia sencilla, pequeña. Una película GIGANTE.

Joaquin, entre la rubia y la morocha... que dilema!

"Los Amantes"
de James Gray
con Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow y Vinessa Shaw

No hay absolutamente nada nuevo bajo el sol en "Dos Amantes" un film de triángulo amoroso, que James Gray supo conducir con mano bastante segura, pero no hay mucho más que eso. Gran sorpresa teniendo en cuenta que formó parte de la Competencia Oficial de Cannes (quééééeééé?).

Phoenix vive con sus padres en Brooklyn: primer situación absolutamente inconcebible que no resiste guión alguno. No sólo porque vive con sus padres, sino porque su madre (Isabella Rosellini) lo sigue tratando como un adolescente, metiéndose en sus cosas: solamente falta que le lleve el desayuno a la cama y lo bañe con esponja y patito de goma.

Saltando esto, que ya es bastante difícil de pasar por alto a nivel guión, el muchacho se debate entre la hija de una familia judía amiga de sus padres a quien le quieren presentar a toda costa y la vecinita de enfrente que lo tiene loco de amor.

Para ir matando el tiempo, se pone de novio con la chica de buena familia (más por un directo "avance" de ella que por su propia voluntad), pero no conforme con esto, no logra sacarse de su cabeza a Gwyneth Paltrow, su vecina, que lo vuelve loco, histeriqueo mediante.
Será primeramente su amigo, y ahí se enterará de las penurias de la rubia que sale con un hombre casado. Y como todo hombre casado -y como todo cliché de hombre casado-: la tiene penando a la pobrecita, prometiéndole que alguna vez dejará a su mujer para hacer una vida con ella.

Entre estas dos aguas, estos dos amores, le toca navegar a Joaquín Phoenix, quien lamentablemente, lo transmite desapasionadamente. Está tan conflictuado que no logra imprimirle a ninguna de las dos relaciones una fuerza que se transmita en la película. Algún que otro beso le imprime un poco de acción a una historia de amor completamente desangelada.

Sólo se rescatan algunos momentos interesantes a nivel de actuación (Gwyneth igual como actriz sigue siendo una rubia despampanante y nada más ni nada menos que eso...), una imágenes hermosas de Brooklyn y New York de noche y sobre todo, tiene dos escenas en la terraza del edificio donde Paltrow y Phoenix se encuentran furtivamente, que están particularmente bellas, muy por fuera de la mediocridad general del resto de la película.

Gran Ensalada "Woody".... y a veces funciona

"Whatever works" ("Si la cosa funciona")
de Woody Allen
con Larry David, E.Rachel Wood, Patricia Clarkson y Ed.Beagley Jr

Boris Yellnikoff (Larry David) es un profesor universitario de física cuántica retirado, neoyorquino y con un divorcio y un intento de suicidio a la espalda. Ahora somete a niños a los que le enseña a jugar ajedrez escupiéndoles crueles verdades si es que no sirven para eso.
Quiere el destino que Melodie (Evan Rachel Wood) se le cruce en su camino. Se acaba de escapar de casa y bajo la lluvia le pide que la deje pasar la noche en su sofá. Y quizás la cosa funcione...

"Whatever works", el último opus de Woody Allen, lamento decirlo, no tiene ni una pizca de la brillante "Match Point". Es más bien una enorme ensalada, con una excelente mixtura de todos los ingredientes que Woody ha usado en películas anteriores, lejos de la pátina de drama de su mejor cine, y muy cerca de la comedia que puede llegar a todos los públicos.

Tiene, igualmente, destellos de ironía y de un negrísimo sentido de la vida que vuelca absolutamente en el personaje de Larry David, su perfecto y genial alter ego, en boca de quien pone las mejores y más festejadas líneas del guión y se celebran sobre todo cuando habla a la cámara, en monólogos sumamente divertidos, buscando la complicidad de quien mira la película ("rompiendo" esa pared como ya lo hizo genialmente en "La Rosa Púrpura del Cairo").

Hay un toque de "Manhattan" (la estudiante que se enamora de un hombre mayor)y de "Anything Goes".
La madre de ella (excelente!! Patricia Clarkson) que es una nueva iluminada por el arte moderno, la fotografía y el ménage a trois, nos hace acordar los destellos de Diane Weist en "Disparos sobre Broadway".
Y sin dudarlo, el personaje de Melodie, le debe muchísimo al de Mira Sorvino en "Poderosa Afrodita": un poco hueca, un poco inexperta, un poco enamoradiza...

Tiene también sus reflexiones sobre la pareja al mejor estilo "Vicky Cristina Barcelona" o "Comedia Sexual de una noche de verano" y los monólogos de David muestran una vez más el recurso efectivísimo que Allen maneja al dedillo como lo hizo memorablemente en "Annie Hall".
Apuesta a lo seguro: amena, sencilla, poco pretenciosa y poco arriesgada estéticamente, y siempre Woody nos ilusiona con volver a regalarnos una enorme película.

Una pieza de cámara que bien podría ser una buena obra de teatro, una Patricia Clarkson deliciosa y un Larry David que no podría haber encontrado mejor papel son los puntos más altos de la película de este año del gran Woody.

Si la cosa funciona? Y, si, funciona bastante bien.

El auténtico decante

"Antichrist" de LArs Von Trier
de Charlotee Gainsbourg y Williem Dafoe

Lamentablemente fue una completa desilusión. Lars Von Trier, quien generó un movimiento tan interesante como el Dogma Danés, queda entrampado en un universo complejo, inasequible, absolutamente violento y sin sentido.

El prólogo de "Anticristo" presenta las imgenes de un accidente doméstico en donde la pareja protagónica pierde a su hijo. Ya Von Trier presenta el hecho con una mezcla de morbosidad al narrar en cámara lenta esa muerte, mientras la pareja recorre toda la casa haciendo el amor desenfrenadamente, con pequeñas escenas de sexo explícito que hace pensar que el resto del filme será algo perturbador pero el planteo era sumamente interesante.


Sólo quedará el planteo: Él -Williem Dafoe- es psicólogo y cree que será el único que puede ayudar a su esposa a superar ese evento y aplicará sus técnicas terapéuticas en su casa de campo llamada Edén. Allí se mezclan como en un cóctel sin sentido: diálogos insustanciales, representaciones de los miedos internos por medio de animales -mayoritariamente mutilados- que aparecen en el bosque, situaciones sumamente violentas al borde de lo insostenible y sexo explícito y violento, incluido.

La heroína de "Anticristo" es Charlotte Gainsbourg ("Mi mujer es una actriz" "La ciencia del sueño" "I'm not there") y así como todas sus otras heroínas sufren la humillación y el descenso a los infiernos al que Von Trier lleva a cada una de ellas (imposible olvidarse de Emily Watson en "Contra Viento y Marea", a Bjork en "Bailarina en la Oscuridad", Nicole Kidman en "Dogville" o Bryce Dallas Howard en "Manderlay"), es obvio que ella no será la excepción a la regla y la somete a ciertas escenas que a mi gusto, bordean lo ridículo. Y allá van Charlotte y Williem tratando de cumplir su cometido con la mayor dignidad posible.
A diferencia de las obras anteriores, todas ellas siempre jugando con el borde y la locura, "Anticristo" se presenta como demasiado vacía para tanta pretensión, demasiado simbólica y oscura. Demasiado impenetrable y al mismo tiempo sumamente efectista en su violencia y en su forma explícita de contar algunas situaciones.

Un paso atrás en la filmografía de Von Trier -y bien grande, posterior a una fallida comedia "The Boss of it all" que no se estrenó en Argentina- al que seguramente algunos quieran encontrarle intricadas explicaciones. El argumento es prácticamente inexistente, un desarrollo vacío que sólo es utilizado de vehículo para expresar su parte más sádica en la pantalla. Olvidable por completo.

"Hablame de la lluvia" ("Parle-moi de la pluie")
de Agnes Jàoui con Jean Pierre Bacri, Jamel Debbouzze y Agnes Jàoui

Agatha regresa a su casa natal para ordenar con su hermana las pertenencias de su madre recientemente fallecida. El hijo de su ama de llaves argelina, en combinación con un director de documentales en decadencia le proponen filmar un documental sobre ella misma, enfocado concretamente en su actual voluntad de ejercer un fuerte activismo político y el movimiento feminista.

Esta idea en apariencia simple le sirve nuevamente a Jàoui (la directora de "El gusto de los otros" y de la notable "Como una imágen") para volver a tocar temas relativos a la clase media-alta francesa y en este caso más en particular sobre las relaciones familiares y el regreso al lugar de orígen con marcadas diferencias sociales y culturales.

Y como es su estilo, con pocas líneas de diálogo los personajes quedan ya presentados con certeza, destripados y desnudos para el espectador que ya se encariña con ellos fácilmente. Todo esto, Jàoui lo realiza con una sutileza no muy frecuente en la comedia, carente totalmente de subrayados o trazos gruesos.

Realmente es un placer volver a encontrarse con un cine inteligente, reflexivo sin perder por eso de vista el entretenimiento y que se sirve de un guión que nos pinta a los personajes y deja que nosotros saquemos nuestras propias conclusiones.

Me engañaste, me mentiste...

"El otro hombre" ("The other man")
de Richard Eyre con Liam Neeson, Antonio Banderas y Laura Linney

Richard Eyre (director de las interesantísimas "Iris" y "Notes on a Scandal") hace agua por todos lados en esta adaptación de uno de los cuentos de "Amores en Fuga" de Schlink, autor de "El Lector".

Como ya lo indica su título hay otro hombre en la trama: Lisa (Laura Linney, bellísima como siempre) ha llevado un matrimonio feliz con Liam Neeson por muchos años, tienen una hija y ella es una exitosísima diseñadora de zapatos. Ella muere repentinamente y cuando él revisa su notebook encuentra fotos con ese "otro". Via e-mails (en el cuento original son cartas, ahora incorporamos tecnología!) el marido se pondrá en contacto con el amante, de forma tal de ir acercándose a la verdad de lo que ha pasado.

El amante de Lisa es nada menos que Antonio Banderas: con buena presencia, pero cero en actuación. El papel de latin-lover que ha arrastrado a Lisa a la pasión dará seguramente en el phsique du rol, pero cuando Antonio abre la boca (sobre todo con ese inglés agallegado que detenta) la película cae barranca abajo.

Morosa en su relato, aburrida en su incógnita (ya que todos sabemos que Lisa ha tenido un affaire así que no se entiende lo que su marido quiere comprender) y fundamentalmente falta de tensión dramática, sólo levanta un poco la puntería cuando Linney aparece en pantalla.
El resto, inclusive la buena actuación de Liam Neeson, cae en el olvido apenas apretemos el STOP una vez que empiecen a pasar los títulos finales.

Limpieza Profunda

"Sunshine Cleaning"
de Christine Jeffs con Amy Adams, Emily Blunt y Alan Arkin

Rose (Amy Adams de "Encantada" y "La Duda") es una madre soltera que trabaja limpiando casas para ganarse la vida. Sigue siendo eterna amante de su novio del secundario. Lo unico bueno de esa relación: él es policía y le dará pie para emprender un nuevo negocio familiar junto a su hermana menor Norah(Emily Blunt de "El diablo viste a la moda"). Y el negocio que emprenden es de la limpieza de sitios donde se ha producido algún crimen, deshaciéndose de todos los desechos biológicos y asegurándose de que no quede ni rastro de sangre u otros fluidos...

Este nuevo negocio será la excusa ideal para desarrollar dentro de una típica comedia independiente americana temas como: el suicidio, el desamor, la incomunicación, la violencia. Todo dentro de un marco de familia "casi" disfuncional que le brinda además un toque de humor infaltable en la receta.
No solamente se limpiarán las escenas del crimen sino que fundamentalmente los personajes emprenden un viaje de limpieza interior en su complicado presente y de paso, deshacerse de algunos secretos del pasado que saldrán a la luz. La ganancia de esta empresa será, sin dudas, la posibilidad de redefinir sus complicados vínculos, de que algunos sentimientos salgan a la luz.

Sencilla, poco pretenciosa y sumamente entretenida, el punto fuerte son las actuaciones. Aparece además, lo que pocas veces abunda en el cine americano: situaciones queribles y creibles y personajes contradictorios, de carne y hueso. Con muchísimos puntos de contacto con "Pequeña Miss Sunshine" y "The Savages" en cuanto a relaciones familiares, es una de las gratas sorpresas que me llevé revolviendo DVD's, de esos que uno empieza sin saber adonde nos lleva el viaje.

Amame en cámara lenta...

"El deseo en mi piel" ("En Soap" (Dinamarca-Suecia 2006)
Opera Prima de Pernille Christensen

Adhiriendo desde sus primeras imágenes al estilo del Dogma danés, esta ópera prima es una historia de amor entre un transexual que está esperando la carta aprobando su operación de cambio de sexo y su nueva vecina, que se muda a su edificio resolviendo una separación traumática con su pareja anterior.

Típica película de bajo presupuesto, recibió dos premios en Berlin y el mejor film del año en su país y es, sinceramente, de lo más interesante que vi durante este año.
Centrada solamente en cuatro personajes (el transexual - su madre - su vecina - el ex de la vecina) hace foco en interesantísimos trabajos actorales, de climas dificiles, transmitidos con una intensidad completamente inusual.
Miradas, gestos que revelan intenciones, muchísimos diálogos lacerantes transmitidos con todo el cuerpo, el estilo de la puesta hace que se genere un clima de mucha intimidad al servicio de una historia narrada en capítulos.
Cada capítulo, jugando con el título original del film, cierra con preguntas al estilo de una telenovela sobre el destino de los personajes, haciendo clara alusión a ese género televisivo que es uno de los puntos de contacto entre ambos protagonistas.

Dialogos breves pero intensos le dan marco a esta historia de personajes atravesando profundas contradicciones tan bien contada, llena de sutilezas.

Vuelve a aparecer la pregunta de porqué este tipo de cine o bien no llega a las pantallas o llega después de muchísimas demoras y en salas completamente alejadas del circuito comercial. Este cine, de otras historias y otras latitudes, parece estar completamente vedado para el público local que tiene ganas de disfrutar una buena historia con excelentes actuaciones.

Exponente post DOGMA

"Fear me not"
de Kristian Levring con Ulrich Thomsen y Paprika Steen

Mikael es un cuarentón exitoso. Tiene una familia perfecta, una casa perfecta y un trabajo perfecto del que ha pedido licencia porque ha entrado como en crisis. Cuando se entera que su amigo mádico, comenzará a probar un nuevo antidepresivo, se anota como voluntario. Las pastillas tienen graves efectos secundarios y deciden suspender el experimento... pero Mikael continuará tomándolas.

El director, nacido de la escuela del Dogma de Lars Von Trier, tiene un planteo inicial interesantísimo ahondando en el thriller psicológico sobre las diversas versiones que habitan en uno mismo.
A pesar de que luego a Mikael le digan que le suministraron un placebo que no puede haberle hecho efecto alguno, desde el momento que tomó esos medicamentos, ha comenzado su cambio, su mutación, su nueva vida.
Y quizás el experimento no haya sido otra cosa que la excusa perfecta para que Mikael salga de su trampa mental/mortal.

El guión narra con mucha sutileza todo este proceso, contando con el apoyo de una actuación soberbia de Ulrich Thomsen (actor fetiche del Dogma, protagonista de "La celebración"), con un crescendo en violencia para llegar a un final que quizás no está a la altura del resto de la película.

Sin duda inquietante, adentrarse en una mirada cinematográfica diferente puede ser interesante. Sólo para los que quieran tomar el riesgo.

Laberintos Genoveses

"Génova"
de Michael Winterbottom con Colin Firth, Katherine Keener y Jope Davis


Un viudo decide - tras la muerte de su esposa en un accidente automovilistico - aceptar el ofrecimiento que le hace una vieja amiga universitaria de ir por un año a dar clases a Génova. Y alli va con sus dos hijas.

Después del impacto inicial del accidente, Winterbottom prefiere luego nadar en aguas más tranquilas para contar lo que les pasa a los protagonistas en esa nueva ciudad con esa nueva vida: la hija menor persiguiendo la presencia del fantasma dulce pero inquitante de su madre; la adolescente que despliega toda su rebeldía, descubre su sexualidad y el amor y el padre que trata no sólo de recomponer su vida y su intimidad, sino también de velar por sus hijas.

Y allí omnipresente, Génova, se presenta como un monstruo de dos cabezas: como trampa laberíntica de pérdida y encuentro permanente de los personajes y como marco de peligro, de amenaza: como si un nuevo accidente estuviese siempre por suceder.

Quizás el tema sea que no haya un gran tema, evitando justamente caer en un simple melodrama. Es la observación de un proceso particular de "reconstrucción" familiar y pasaje del duelo a lo nuevo.
Sin embargo, hay algo que queda a mitad de camino y si bien Winterbottom logra un relato intimista, la sensación de peligro constante y una nerviosa cámara en mano, les da una frialdad a las situaciones que no nos permiten contactar con el dolor de los personajes.

La loca de la casa

"Anna M." - ("Obsesionada")
de Michel Spinosa con Isabelle Carré y Gilbert Melki


Seleccion Oficial de Berlin 2007 y visitante de muchos otros festivales, "Anna M." es como una versión de "Atracción Fatal" a la francesa, pero con mucha más locura.
Anna M. intenta suicidarse, no lo logra, sólo se accidenta y será atendida en la guardia por el Dr. Zanevsky. Su delirio le hace creer que él la ha curado como un gesto de amor: que está enamorado de ella.
Sumida en su erotomanía, Anna lo perseguirá de todas las formas posibles, llegando a sus zonas más oscuras para cumplir con el objetivo de conquistar su "amor". Al no lograrlo: desatará su odio.
El guión bordea todo el tiempo situaciones límites, incómodas, en cierto modo electrizantes, participando como testigos del despliegue de toda la pasión enfermiza y desbordada de Anna, que rompe con cualquier lógica.

Es una lástima que la distribución local haga siempre hincapié en un mismo tipo de cine, sin dejarnos ver otras formas menos convencionales (comerciales) como ésta, no por eso, menos interesante.
Una película narrada en diferentes capítulos, donde quizás lo que desentone sea el registro de narración del capítulo final, muy diferente al del resto de la película, pero con más luz sobre el personaje central después de tanta oscuridad...

Donde comen dos... comen tres

"Dieta Mediterránea" de Joaquin Oristrell
con Olivia Molina, Paco León y Alfonso Bassave

Sofía crece entre la cocina y las mesas del bar-restaurant de sus padres. Ama cocinar y pronto quiere dejar su impronta en el mundo de la alta cocina y a pesar de que alguien la sentencia con que "es un oficio de hombres" ella sueña con ser una gran chef. Ambición y talento, no le faltan.

Un pequeño detalle es que está enamorada de dos hombres: Toni, con quien se casa y tiene tres hijos y Frank, su amigo de toda la vida, representante que todo artista querría tener y quien la incentiva permanentemente a ir por más.
Y como Sofía lo quiere todo: se las ingeniará para tenerlo todo.

No hay absolutamente nada nuevo en "Dieta Mediterránea" sino que mezcla recetas ya conocidas en función de lograr un producto sumamente entretenido. Con un poco de "Como agua para el chocolate" y "La fiesta de Babette" en cuanto al amor por cocinar y transmitir los sentimientos a través de cada plato de comida y otro poco de "Doña Flor y sus dos maridos" y más aún de la americana "Tres formas de amar" en encontrar en sus dos amores la total completud; Oristrell pone en juego todos los ingredientes de una buena comedia romántica a la que se le agrega este picantísimo ménage a trois.
Entre tanta comedia americana con más de lo mismo, dentro este género "Dieta Mediterránea" aporta un aire fresco y nuevo, con toda la simpatía del cine español.

Atravesando Espejos

"Phoebe in Wonderland"
de Daniel Barnz con Elle Fanning, Patricia Clarkson, Felicity Huffman y Bill Pullman

Que pasa cuando Phoebe decide anotarse en las clases de teatro de su colegio? Inicia, casi sin quererlo -o queriéndolo demasiado-, un viaje profundo a su interior cuando es elegida por su profesora de teatro (Patricia Clarkson deliciosamente excéntrica en su papel de Miss Dodger) para el protagónico de "Alicia en el pais de las maravillas".
Alicia-Phoebe, realidad-imaginario, espejo-reflejo, comienzan a interacturar en forma permanente y es ahí donde el guión de Daniel Barnz gana vuelo, contando esta mixtura y estas traslaciones, con hermosas imágenes y una delicada fotografía.

Se ha iniciado en Phoebe un gran juego de espejos, no todo es lo que parecía ser, no todo es como se ve. Su gran desafío en ese viaje iniciático es no dejarse encantar por ningún "Gato de Cheshire" que intente distraerla. Pero una vez iniciada la "aventura", Phoebe va siempre por más.

Elle Fanning es Phoebe, un rosto impresionante, con una fuerza inusual y una frescura fuera de serie. Su sola composición vale ver la película, que más alla de algunas irregularidades del guión (los personajes masculinos -el papa de Phoebe y el director del colegio- están demasiado desdibujados, algunas situaciones se resuelven muy abruptamente) es totalmente disfrutable.

Siempre resulta interesante atravesar los espejos y encontrar aquello que está mas alla de una imagen...

Volver a la magia....

Tanto cine de autor, tanta cosa incomprensible y encriptada, tanto cine independiente, tanto cine elitista.
Y caigo rendido nuevamente ante la magia de Pixar. "Up" me hizo reir a carcajadas con un guión con momentos absolutamente delirantes. Y también me emocionó muchísimo.
Historias mínimas dentro de una historia. Dibujos animados con mucha más carnadura que tanto personaje de guionista premiado por todos los festivales internacionales.
Y cuando se prendieron las luces... me dio la sensación que había viajado lejos, que una vez más el cine me transportó con su magia y recuperé las ganas de más...
Chapeau, Pixar!